• La competición reúne 18 películas de 16 países, con propuestas que abordan la migración, las desigualdades sociales, la identidad y la memoria, junto a relatos personales y experimentaciones visuales.
• Sus cineastas han compartido en Valladolid las motivaciones y búsquedas creativas que hay detrás de sus trabajos.

La Sección Oficial Internacional de Cortometrajes de la 71 Seminci ha reunido 18 películas procedentes de 16 países que se acercan a la realidad contemporánea desde perspectivas y lenguajes diversos. Organizada en cuatro programas —Luces nocturnas, And If Thuy Didn’t Exist, Oculto y Hogar, agridulce hogar—, la selección ha combinado historias sobre las desigualdades sociales y las relaciones de poder con relatos íntimos, exploraciones de la memoria y propuestas que experimentan con las posibilidades de la animación, el sonido y la puesta en escena. Las presentaciones de los equipos en Valladolid han permitido conocer algunas de las inquietudes que impulsan estas obras y las decisiones creativas con las que sus autores dan forma a sus historias.

Programa 1. Luces nocturnas

El misterio, el miedo y las relaciones de género atraviesan este programa, que reúne distintas aproximaciones a las experiencias de las mujeres y a los espacios que habitan. En Las Damas, la francesa Camille Zéhenne parte de la fascinación por la Dama de Elche para combinar investigación documental, experimentación y ficción. La cineasta se interesa por las preguntas que todavía suscita el origen de esta figura histórica. «Me parecía muy interesante indagar en la dimensión misteriosa de la Dama de Elche, nadie está de acuerdo sobre su origen, lo cual propone una premisa muy atractiva», explica. A esa investigación añade una dimensión ficcionada vinculada al imaginario ancestral y la sensualidad: «Quería al mismo tiempo encajar una parte ficcionada propia sobre la figura, sobre la cuestión sensual ancestral».

En TMWYH, la austriaca Helen Esther Aschauer convierte el regreso nocturno a casa de una mujer en el punto de partida de un thriller sobre la violencia invisible y la inseguridad que condicionan la experiencia femenina en el espacio público. Inspirada en hechos reales, la película aborda un miedo que, para la directora, es una experiencia compartida: «Colectivamente, las mujeres sabemos de lo que hablamos cuando se trata del miedo». Entre sus referentes figura el caso de Gisèle Pelicot, que le permitió profundizar en la violencia ejercida por personas cercanas y de confianza. Su intención es llamar la atención sobre «la seguridad de la mujer que vuelve a casa sola por la noche y la importancia de anticiparse a las amenazas».

La animación de The End, de la sueca Niki Lindroth von Bahr, adopta un registro diferente para situar en un gran aeropuerto una reflexión sobre la existencia y la catástrofe. La película cuenta con las voces de Alexander Skarsgård, Denis Lavant y Noomi Rapace, que ejerce también como productora ejecutiva.

El miedo también impulsa But… You Weren’t Here, del noruego Eric Dirnes, que se estrena mundialmente en Valladolid. La película sigue a una joven que comienza a sentirse invisible durante una estancia con su pareja y sus amigos en una cabaña aislada. El encuadre cerrado refuerza la sensación de asfixia mientras la protagonista afronta una situación cada vez más incómoda. «La idea que subyace en la protagonista es defenderse contraatacando», resume el director.

Premier feu, de la española Blanca Camell Galí, es una aproximación a las secuelas físicas y emocionales de un parto traumático. Interpretada por Bruna Cusí, la película sigue a una mujer que intenta sobreponerse a una experiencia que ha alterado su relación con el cuerpo y el deseo. «Quise contar la herida física, pero también la mental que arrastra el trauma de un complicado desgarro al dar a luz a un primer hijo», explica la cineasta, que también quería abordar «la desconexión del deseo después de una experiencia así». El título apunta, sin embargo, hacia la recuperación: «El primer fuego es la parte optimista, el nuevo impulso vital que se toma alguien después de ese momento tan transformador que es convertirse en madre, la recompensa de tu cuerpo después de la incertidumbre y el miedo».

Programa 2. And If Thuy Didn’t Exist

La memoria, las contradicciones de los relatos personales y las conexiones humanas insólitas articulan las propuestas de este programa. En Class Photo, el lituano Arnas Balčiūnas regresa a una escuela abandonada para explorar la memoria, el trauma y la amistad. La película, estrenada en la Semana de la Crítica de Cannes, nace de una experiencia personal del cineasta: «Ver mi escuela abandonada probablemente por última vez, me produjo una extraña sensación. Intenté, en la medida de lo posible, capturar la atmósfera de este lugar que había sido tan importante en nuestra formación». La narración combina una historia realista con una dimensión alegórica inspirada libremente en el mito de Orfeo y Eurídice, dos planos que Balčiūnas articula «procurando que los diálogos resalten sutilmente esta dualidad».

En La verdad te rechaza, Cornelius, los españoles Khris Cembe y Marc Torices combinan el cartoon vintage de mediados del siglo XX con el stop motion para narrar las sesiones de terapia de Cornelius, un perro cuyas historias no siempre resultan fiables. La película parte de la obra gráfica de Torices y encuentra en las contradicciones del protagonista uno de sus motores humorísticos. «La gracia está en el sesgo, lo que cuenta no es de fiar, ella encuentra agujeros en sus historias», explican sus creadores, para quienes el propio proceso de realización es también una parte esencial del proyecto: «La animación es una celebración del trabajo en equipo».

El humor y las situaciones insólitas protagonizan God Loves a Terrier, del estadounidense Robert Arnett, que ha tenido su estreno mundial en Seminci. Con una estética retro, la comedia está interpretada por Elizabeth Olsen, C. S. Lee y Annie Hamilton. La historia sigue a una mujer que intenta llegar a fin de mes como administradora de una propiedad en Hollywood Hills, hasta que una crisis la obliga a enfrentarse a una decisión moral.

En Pithead, los belgas Wannes Vanspauwen y Pol De Plecker construyen un universo distópico marcado por conexiones humanas extrañas. Estrenado en la Quincena de Cineastas de Cannes, el cortometraje sigue a una mujer que encuentra refugio en un bar de karaoke de black metal y entabla una relación inesperada con un pingüino solitario. Sus directores explican que «se producen conexiones humanas extrañas en la historia y el estilo visual propone movimientos de cámara que observan de forma mecánica y distante». Entre sus referentes citan a Kaurismäki, Andersson y Gilliam, mientras que el sonido desempeña un papel fundamental en la atmósfera de la película: «Ese ruido constante como de tormenta, nos encanta».

Programa 3. Oculto

La fantasía, la imaginación y la observación de los conflictos sociales conviven en este programa, que ha reunido tres producciones españolas y una de las propuestas de animación más reconocidas de la selección.

En Aho Beltza, la española Alba Loza sitúa la acción durante una fiesta de fin de rodaje en Zumaia, donde Miren, cada vez más aislada del equipo, descubre una leyenda sobre un túnel secreto que conecta el pueblo con las playas. La película, que ha tenido su estreno mundial en Valladolid, combina la crítica a las desigualdades de género en la industria audiovisual con elementos fantásticos vinculados al imaginario local. «Estoy sola en la fiesta», resume una frase que atraviesa la experiencia de la protagonista. La directora señala que a las mujeres «se nos sexualiza muchas veces» y añade: «Se nos ve como los postres».

La imaginación infantil y la posibilidad de crear con recursos limitados inspiran El tamagochi escarlata, del chileno Francisco Visceral Rivera, que recurre al cine negro para contar la desaparición de un juguete en un universo escolar. Un niño, una tortuga y un tamagotchi que hay que recuperar articulan una historia con la que el director quiere despertar los recuerdos de los espectadores adultos: «Nosotros como adultos podamos ver nuestros propios recuerdos de lo que fue nuestra infancia». La elaboración artesanal de la película responde a esa misma reivindicación. «Se puede crear con lo que tenemos en las manos», afirma Visceral, que busca «inspirar y que se democratice la creación del cine».

La explotación de las personas migrantes y las estructuras sociales que perpetúan las desigualdades centran Asphalt Reds, del portugués João Niza Ribeiro, premio del público en Curtas Vila do Conde. El cortometraje sigue a Omar, un joven beninés en situación irregular que trabaja como repartidor en Oporto, mientras las imágenes de la violencia contra los migrantes en Melilla irrumpen en su vida cotidiana. Rodada con personas que no son actores profesionales, la película parte también de las conversaciones que el cineasta mantuvo en Guinea-Bisáu con quienes habían emprendido el viaje hacia Europa. «Me gustaría que hablase más sobre la forma en la que hemos construido una sociedad en la que se esclaviza e instrumentaliza al otro», explica Ribeiro, que aspira a abrir una reflexión colectiva: «Me gustaría que dirigiese a una discusión sobre cómo nos relacionamos con el otro».

Paper Trail, está firmado por estadounidense Don Hertzfeldt, uno de los nombres fundamentales de la animación independiente contemporánea y dos veces nominado al Oscar. El cineasta reconstruye una vida a partir de fragmentos de papel y de nuevas técnicas de animación desarrolladas por él mismo. Tras su estreno en Sundance, donde obtuvo el premio a Mejor Cortometraje, la película logró también el máximo galardón en Annecy.

Programa 4. Hogar, agridulce hogar

El regreso, la pertenencia y las dificultades para encontrar un lugar propio conectan las historias de este último programa, que aborda desde distintas perspectivas la relación entre los individuos y su entorno. En ‘Vaterland’ or a Bule Named Yanto, de Berthold Wahjudi, un joven viaja a Yogyakarta para visitar a su hermana y se enfrenta a su propia condición de extranjero en distintos lugares. El cortometraje, ganador del Premio Canal+ en la Semana de la Crítica de Cannes, explora así las contradicciones de la identidad y el sentimiento de pertenencia.

La crisis de la vivienda y las relaciones de poder articulan Crónica del cansancio, de la española Natalia Marín, que cierra su trilogía sobre el espacio. La directora conecta la situación actual con sus raíces históricas y examina los vínculos entre trabajo, explotación y deuda. «Afrontar el tema de la vivienda de forma directa» fue uno de sus objetivos. La búsqueda de una forma visual que expresara ese recorrido resultó decisiva: «En el momento en el que me di cuenta de que nuestra historia se mueve de izquierda a derecha». Cinco largos travellings articulan el tiempo y la transformación de las desigualdades sociales.

En Terminal, el portugués Alexandre Siqueira, que firma una coproducción de Portugal, Francia y España, sigue a un hombre que regresa a casa de su madre después de más de treinta años de viajes. La película ha llegado a Seminci tras su estreno mundial en Toronto.

Por último, Ride Your Horse, de Song Dongxu, traslada la acción a Mongolia Interior durante un invierno especialmente duro. Dos jóvenes, atrapados en una habitación, planean reunir dinero para escapar hacia el sur, en una historia que sitúa la necesidad de huir y la búsqueda de un futuro mejor en el centro del relato.